¿Sabía usted que Chopin nunca existió y que era una invención de George Sand? ¿Que Sibelius escribió siempre la misma obra y nadie se dio cuenta? ¿Que Stravinski formó un grupo pop para competir con The Beatles? ¿Que Albéniz fue el jefe de una banda de forajidos en México a los diez años y que Satie ocultaba un Aleph dentro de uno de sus pianos? ¿Y que Haydn realizaba viajes astrales? Por las páginas de ?El horizonte quimérico? desfilan un Mozart de cincuenta años, un Beethoven con el oído recobrado, autómatas inteligentes, compositores más poderosos que el Rey Sol y vampiros sedientos de música. Una reformulación del concepto de ucronía con guiños a Borges, Marcel Schwob y el realismo mágico que, sin duda, hará las delicias de los melómanos y de los amantes de las lecturas con una sonrisa en los labios.

El adolescente Horowitz ve como su piano es arrojado desde la ventana; el pequeño Cherkassky oye el silbido de una bala rozando su cabeza e impactando en la pared de su casa; el principito Magaloff huye en trineo con su familia: tres flashes de una revolución que hace un siglo convulsionó al mundo y también las vidas de muchos músicos. A partir de las reacciones de entusiasmo y miedo que los artistas experimentaron ante la toma del poder por parte de los bolcheviques, este libro dibuja por primera vez un cuadro general de las relaciones entre los pianistas clásicos y el régimen soviético desde 1917 hasta 1991. Heroísmos y dramas se entrelazan: el solitario orgullo de Sofronitski, la rebelión de Mariya Yúdina contra Stalin, la detención de Neuhaus por sus orígenes alemanes y la de Shtarkman por su homosexualidad, las tribulaciones interiores de Richter y Gelels, las aventuras e infortunios que con el KGB tuvieron Ashkenazy, Egorov, Berman, Rudy, Gavrilov y otros más. Son músicos, pero ante todo hombres, los numerosos pianistas que protagonizaron esta época de héroes y anti-héroes, crecidos en un sistema educativo perfecto aunque privados a menudo de la posibilidad de salir de sus fronteras. Desde el misterio de un arte florecido bajo el régimen, estos artistas nos hablan de crueldad y belleza, del eterno conflicto entre materialismo y espiritualidad, de la imprevisible mezcla de ética y estética.

Robert Schumann escribió este libro en 1848 como parte de la obra Album for the Young. Estos consejos siguen siendo hoy en día uno de los textos más influyentes para músicos de todas las categorías. Steven Isserlis, uno de los chelistas más famosos del mundo y autor de dos libros sobre las vidas de varios compositores que se han convertido en referencia por su humor y agudeza, ha ampliado el texto con comentarios y consejos de su propia cosecha, actualizando las sabias palabras de Schumann y dándole un giro más práctico, humorístico y profundo que consigue actualizar el texto para hacerlo imprescindible a cualquier persona, de cualquier edad, que quiera ser músico o que simplemente ame la música.
Robert Schumann fue un innovador, sus obras anticiparon muchos de los temas que, 150 años después de su muerte, continúan desarrollándose; prácticamente todos los compositores importantes reconocen su influencia e importancia. Pero fue también un innovador en el trato que dispensaba a los niños y jóvenes aspirantes a estudiar música, involucrándose en su educación. Este libro es fiel reflejo de su pensamiento, e Isserlis un magnífico compañero, cuyo interés en fomentar el amor a la música en los jóvenes, y no tan jóvenes, lo desarrolla en conciertos, clases y conferencias.

“Por qué Beethoven tiró el estofado” es un apasionante recorrido por la vida y la obra de seis compositores geniales, Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Robert Schumann, Johannes Brahms e Igor Stravinsky, por los cuales el gran violonchelista siente una especial admiración. Con un tono humorístico y en apariencia despreocupado, Isserlis nos introduce en el mundo mágico y fascinante de seis autores que, cada uno en su época, dieron un giro a la historia de la música clásica y la hicieron llegar a millones de personas.

Hay razones para considerar a Gustav Mahler el mayor creador musical del siglo XX, a pesar de que su muerte se produjo cuando apenas comenzaba la segunda década del mismo, pero la audacia de su lenguaje, su riqueza expresiva, sus estallidos de fatalismo, de angustia agónica y también de alegría desatada, le sitúan como testigo de excepción de una época especialmente conflictiva.
Rigurosa y erudita, esta biografía realizada por el musicólogo José Luis Pérez de Arteaga, acompañada de un estudio de su obra musical y de su discografía completa, es la mayor aportación de la crítica española al compositor más interpretado (y discutido) de nuestro tiempo. Sin duda una obra de referencia.

"Maravilla de la Ópera" es un libro –dedicado al gran cantante Dietrich Fischer-Dieskau– formado por catorce ensayos relacionados entre sí acerca de la fascinación de ese género musical sobre un público variado y numeroso. Jens Malte Fischer une a un riguroso y ameno análisis musical una atención especial a los factores no sólo estéticos, sino históricos, culturales y sociales de las diversas obras estudiadas. Los autores pertenecen a épocas muy diversas, que van desde finales del siglo xviii hasta el tiempo presente: Cherubini, Berlioz, Wagner, Verdi, Antonin Dvorak, Meyerbeer, Richard Strauss, Albéric Magnard, Kurt Weill, Ferruccio Busoni y Wolfgang Rihm. Compositores de una importancia capital en la Historia de la Música y también otros menos conocidos pero cuya personalidad reivindica el autor con una admirable riqueza de argumentos.

La música de Chopin es uno de los puntos de partida de la escritura pianística de la segunda mitad del siglo XIX y de todo el siglo XX. Además del fascinante carácter romántico asociado a su vida, Chopin mantiene fresca la capacidad germinal de una obra que dinamitó los criterios formales de su época, lo que llevó al piano a un proceso de emancipación sin retorno.
Este libro, uno de los más rigurosos y extensos estudios dedicados al genial compositor polaco, añade una nueva perspectiva a la obra de Chopin a la vez que incorpora datos inéditos sobre su vida. Con erudición y soltura, Justo Romero aporta una visión diferente y demuestra que cada época añade nuevos atributos a los clásicos.

La imagen de un compositor tan genial como Johann Sebastian Bach suele prestarse a simplicaciones que pueden ser confusas. Así J. S. Bach ha sido considerado durante demasiado tiempo el músico dedicado de un modo casi exclusivo a la experiencia de lo sagrado. Sin embargo Bach fue también algo más, un hombre que vivió a fondo el espíritu de su tiempo y lo reflejó, cuando su inspiración por ahí le conducía, hacia lo humorístico y lo burlesco. Teniendo eso en cuenta Domingo del Campo, ilustre musicólogo y experto en el mundo bachiano, nos transmite en este libro póstumo una imagen rica y plural de la obra de quien ha sido considerado por muchos como el genio más indiscutible de la historia de la música.

El desarrollo gradual de la música instrumental en el siglo XVIII, que culmina en la producción de sonatas, sinfonías y la música de cámara, obligó a realizar una revaluación estética de la mayor importancia, cuyas implicaciones sobrepasaron los confines de la propia música. Por primera vez en la historia de la estética occidental se consideró que un arte que subordinaba los mensajes didácticos y las representaciones de contenidos específicos a formas puras era un arte profundo.
Aunque las piezas instrumentales continuaron interpretándose como representaciones (de la luz de la luna o de una escena pastoral, por ejemplo), surgió una nueva manera de entender las artes y la lucha para legitimar la música instrumental fué la primera y decisiva batalla del arte no representativo.

¿Qué procesos mentales están involucrados al escuchar, interpretar y componer música? ¿Qué interviene al «comprender» una pieza musical? ¿Cómo se adquieren estas habilidades? Preguntas como estas forman la base de la psicología cognitiva de la música. El autor plantea estas preguntas al analizar el aumento de la investigación en este campo. Los temas abordados interesarán a los psicólogos como ventanas hacia las habilidades cognitivas complejas que solamente ahora comienzan a recibir la atención que se le ha dedicado a habilidades tales como el lenguaje. Son también relevantes para músicos que tratan de comprender las bases psicológicas de sus habilidades. El autor no solo analiza la investigación existente, sino que adopta una mirada crítica a lo que se ha realizado en el área, introduciendo temas como composición y habilidad musical en culturas no alfabetizadas. Utiliza libremente su propio conocimiento y experiencia como músico, y como psicólogo, para proporcionar un mirada que es al mismo tiempo académica y accesible a cualquier lector.
Dirigido a psicólogos, músicos y a cualquier lector en general.